Paola Zeppi

Il gesto di lanciare coriandoli è storicamente il modo per mostrare la propria partecipazione al trionfo di qualcuno, anche senza poterlo raggiungere fisicamente. Con i suoi Coriandoli d'Amore Paola vuol far arrivare a tutti Voi visitatori spruzzi di gioia, di sogni e d'amore, e accompagnare i Vostri passi fino a casa con le parole della canzone Coriandoli di Mina. “Coriandoli di sogno coriandoli d'amore io vedo turbinare nel vento, nel vento, nel vento intorno a me. Stelline colorate rischiarano il mio cielo da quando m'hai baciato che baci, che baci, che baci ho dato a te. Nel nostro amore felice felice è sempre carnevale e se ti guardo, sorridi sorridi e io sorrido a te. Coriandoli di sogno per questo nostro amore ho voglia di gridare mi piaci, mi piaci, mi piaci da morir. E se mi baci mi baci mi baci io vedo turbinare scintille di luce coriandoli di gioia, colori colori colori da stordire. Coriandoli di sogno stelline colorate che volano impazzite nel vento dell'amor...”

da giovedì 13 gennaio 2022 a mercoledì 02 febbraio 2022

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Antonio Delluzio

"Je Suis: Io sono", è stata creata nel 2017 per un concorso internazionale romano dal titolo “Un Gesù contemporaneo” (la foto è risultata vincitrice). La stessa nasce comunque dall’esigenza di denunciare una società indolente, menefreghista, cieca e indifferente. Nella fotocomposizione viene rappresentato, con un particolare riconoscibile, “l’Uomo” crocifisso ai cui piedi non più la nuda terra del Golgota ma una montagna di rifiuti inorganici, contaminanti e attuali, scorie di un consumismo avvelenante. Un luogo in cui è concentrato, simbolicamente, il passaggio di un popolo senza rispetto della sacralità di se stessi e degli altri.

da giovedì 25 novembre 2021 a mercoledì 15 dicembre 2021

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Andrea Allevi

"IMPOLE: io sono Pole…" è un progetto artistico nato nel 2018, quando ho scoperto questa disciplina a me sconosciuta che in brevissimo tempo mi ha affascinato. Le mani raffigurano la fatica e la costanza nell’allenamento; la coreografia in coppia dimostra l’eleganza, l’equilibrio e la forza di questi atleti. “Volteggiare elegantemente su un palo non è così semplice, il corpo deve abituarsi all'utilizzo dell’attrezzo e per poterlo fare è necessario sopportare i calli sulle mani o i lividi, soprattutto nelle prime settimane.Tutta la fatica e il dolore che provi vengono però ripagati con la gioia e la soddisfazione di riuscire." (Cit. Bonalume V.). In questo contesto sono stati prescelti due scatti che raccontano di un'intesa progettuale e della mia passione per la fotografia. Un ringraziamento particolare agli atleti Isabella Cuccu e Ginetto Mele. MYTEMPLE è un progetto artistico che nasce da un sogno di Stefania Meroni. È un feto, è ricerca interiore, è stare in bilico sul proprio cordone ombelicale. L'evoluzione avviene a Lampedusa con degli scatti quasi casuali ma con un tracciato molto profondo: il riflesso della danza umana partendo da un ritorno alle origini sino alla sperimentazione emotiva. Il tutto si trasforma col tempo in un'installazione foto/video con performance e testi scritti dalla stessa protagonista delle foto. In questo contesto sono stati prescelti due scatti che raccontano di un'intesa progettuale e della mia passione per la fotografia.

da venerdì 22 ottobre 2021 a lunedì 08 novembre 2021

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Rosella Fusi

IO SONO LUCE Il progetto nasce in sintonia con il pensiero zen in grado di esaltare l’armonia delle piccole cose e la bellezza nella semplicità, utilizzando due tecniche che derivano dall’arte giapponese. Raku-yaki è un arte al servizio di un’altra arte, è un rito proprio come quello della cerimonia del tè, che punta la sua attenzione sulla naturalezza delle forme e attraverso la cottura e gli elementi acqua,aria,fuoco, l’oggetto si riempie di luce propria ed unica. Altrettanto naturale, per i giapponesi, è credere che ogni storia sia fonte di bellezza, anche la più dolorosa, ogni cicatrice può quindi essere mostrata orgogliosamente. Da questa filosofia nasce la tecnica Kintsugi, (riparare con l’oro) attraverso la quale ceramiche precedentemente rotte vengono riparate con intrecci di linee dorate, unici ed irripetibili. Dall’unione delle due filosofie nascono “GALAXIA” e “TE’”: forme semplici che mediante la cottura si animano di colori propri, naturali ed irripetibili; le ferite che ne derivano acquistano la luce valorizzate dall’oro e dall’argento. "E’ solo quando ci rompiamo che scopriamo di cosa siamo fatti” (Ziad K. Abdelnour)

da mercoledì 22 settembre 2021 a martedì 05 ottobre 2021

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Carlo Bartoli

Dall’1 al 20 settembre si terrà la mostra-evento "Carlo Bartoli - progetto dunque sono" nell’ambito del Fuorisalone Monza 2021. Il micro spazio espositivo Mimumo ospiterà una installazione che condensa il percorso di design di Carlo Bartoli, architetto e designer Compasso d’Oro ADI alla Carriera nel 2016, portato avanti successivamente da Bartoli Design, attraverso la sperimentazione sui materiali. Il rapporto di Bartoli con la progettazione, per lui vero e proprio senso della vita, è rappresentato dalle quattro sedute esposte, frutto del suo desiderio di innovare combinando le conoscenza tecniche dei metodi produttivi, l’utilizzo di materiali innovativi, attraverso la creatività, con l'obiettivo di dare vita ad oggetti d'arredo per la produzione, alcuni dei quali diventati best sellers. Esposta in un set inconsueto, questa selezione di prodotti ne ripercorre la carriera, testimoniando inoltre la sempre intensa collaborazione con le aziende produttrici, cardine del suo metodo, come GAIA-Arflex (Collezione permanente MoMA e Triennale, Milano); 4875-Kartell (Collezione design Musée National d'Art Moderne, Parigi); R606UNO-Segis; 1085-Kristalia. La mostra è stata realizzata con il patrocinio di: ADI – Associazione per il Disegno Industriale; Collegio Architetti Ingegneri Monza; OAMB - Ordine Architetti Monza Brianza; e con il supporto di: Kartell, Kristalia e Segis.

da giovedì 22 luglio 2021 a lunedì 30 agosto 2021

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Mauro Calvi

Nel micromuseo-vetrina l’Artista Mauro Calvi presenta UNOSOPRALALTRO, una sovrapposizione di tele forme e colori, volutamente decentrata nella prospettiva ottica, che costringe l’osservatore a dover indagare all’interno dello spazio nero angolare. Maro Calvi nasce a Cremona nel 1958. Vive e opera in Brianza.

da giovedì 10 giugno 2021 a mercoledì 30 giugno 2021

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Serena Rossi

In occasione di PINK VUE 2021 lo spazio del Mimumo verrà ricoperto di pagine di quotidiano bianco e nero, che dà effetto monocromo grigio. Poi sui giornali, dalla parete sinistra a quella di destra, passando per il pavimento, verrà dipinto un segno largo circa 4 cm di rosa acceso acrilico. L’installazione site specific serve per fornire l’idea della preparazione del lavoro sul posto che risulterà poi in netto contrasto con l'effetto finale dell'opera che sarà "chic": il quadro infatti viene preparato sì con una colatura casuale di smalto a solvente lucido, un materiale non propriamente addetto alle belle arti, ma poi con l'aggiunta di glitters e con l'effetto lucido diventa un’opera di Fine art. La mia ricerca, da oltre vent’anni, spazia nell’ambito della pittura informale utilizzando materiali di riuso e non addetti alle belle arti: in questo caso per esempio lo spazio viene indagato con il colore, alla ricerca di paesaggi interiori affini allo spirito. Il quadro ha dimensioni 150x100x4 cm su tela di cotone fine, la tecnica è collage di carta e sopra colata casuale di smalto a solvente rosa molto chiaro e glitters dorati. Il quadro monocromo riprende la serie di tele a colore pastello e glitters che feci negli anni 2010 circa, una di queste grandi tele dal titolo "Urban Slowness" fu scelta da Vittorio Sgarbi per la Biennale di Venezia 2011 e venne esposta a Torino.

da mercoledì 28 aprile 2021 a mercoledì 19 maggio 2021

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Valeria Andreis

Carezze del Tempo Serie, 2020-2021 Gesso, sanguigna e olio su tela Come affreschi scrostati dal tempo, la superficie delle effigi classiche dipinte da Andreis lascia trasparire gli strati sottostanti. La stratificazione del suo lavoro, velature come sedimenti geologici, viene svelata attraverso carezze con la carta vetrata. Bagliori di tela nuda trafiggono la superficie e rendono tutt’uno sopra e sotto, processo e completamento, creazione e rimozione. Quando un’opera può definirsi finita? Non è forse vero che nel momento stesso in cui l’artista la “consegna” al mondo, essa inizia a vivere una vita nuova? Possiamo negare che l’operato del tempo sia anch’esso parte del processo di creazione e metamorfosi di un’opera? In Carezze del Tempo, Andreis cerca di replicare, con le sue stesse mani “creatrici”, le cicatrici che la storia lascia su ogni oggetto che le viene consegnato, cercando bellezza e mistero proprio dentro quelle fenditure.

da giovedì 18 marzo 2021 a mercoledì 07 aprile 2021

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Eleonora Pozzi

HIC ET NUNC “Installazione” Cocci, vecchi libri, fogli, tela, cemento, acrilico, carboncino Fermo immagine. La vita resa immortale nell’atto. Il rosso. La libertà. Tutto si ferma. Per un attimo si resta immobili e sospesi. Poi la vita si frantuma e tutto ciò che era calcifica. Nomi. Persone. Azioni. Quotidiano. Sesso. Vita. Morte. La cenere travolge tutto, confermandosi nell’immortalità. Restano le ombre. Resta il ricordo di una libertà interrotta. Pompei. Ora come allora. Umanità spezzata. L’installazione gioca sul contrappasso tra antico e attuale. Evento naturale che irrompe nel ciclo naturale degli eventi. I nomi contemporanei anacronisticamente collocati in una scena antica. Il rosso pompeiano, diretto rimando alle stanze rosse, chiama l’"atto" che si intravede nei disegni. Disegni della quotidianità in cui il sesso vissuto liberamente in ogni aspetto della vita resta impresso su una carta da giornale del nostro tempo, ora come allora. I disegni ritrovati vengono salvati. La sessualità resa immortale ed esposta, anche se celata dal segno del carboncino. Nero. Fuliggine. Tutto copre. Tutto svela, in eterno movimento.

da giovedì 04 febbraio 2021 a mercoledì 24 febbraio 2021

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Anna Russo

La mia arte nasce con la scrittura.Scrivo da quando ho capito il senso della scrittura. Così dopo aver imparato a scrivere, cosa che è accaduta più o meno intorno ai sei anni, ad otto anni è arrivato il senso della scrittura: a quell’età scoprii che la scrittura era qualcosa che poteva proiettare, quello che avevo nel cuore, più lontano di quanto avrebbero potuto fare le mie parole parlate. Le parole parlate si disperdono nell’aria e molto spesso rimangono inascoltate, invece le parole scritte restano. Puoi far finta di non vederle per anni, ma tanto loro restano lì, mute testimoni di un’eventuale ignoranza. E poi capita sempre quel momento, che io considero pura magia, in cui quelle parole vengono lette e penetrano nel cuore di chi le sta leggendo. E’ questa la magia delle parole.Da questo amore sconfinato, per la scrittura, sono nati dei libri. Ne ho scritti vari. Ho pubblicato con grandi editori come Einaudi, Mursia, Salani...ma quello che davvero ha portato in avanti quest’arte, sono stati i bambini. All’epoca facevo tante conferenze nelle scuole e notavo la sostanziale differenza tra quei ragazzi che non avevano nessuna voglia di aprire un libro e quelli che caparbiamente leggevano .Il fatto strano è che a me, per naturale vocazione, erano più simpatici quelli che si rifiutavano di leggere: quella selvaggia ribellione mi affascinava. Erano ragazzi che consideravo speciali. Avevano una marcia in più e se si fossero per un attimo fermati a leggere qualsiasi frase del Piccolo Principe o Italo Calvino, la loro vita avrebbe fatto un salto in avanti di eoni. Così inventai i bassorilievi a graffio. I bassorilievi cementano gli scritti più belli, ma sono anche una sfida: bisogna impegnarsi per riuscire a leggerli. Avevo raggiunto il mio obiettivo. I bulli della classe si precipitavano a leggerli. Dovevano dimostrare alla classe di essere più capaci in tutto ed allora li vedevi urlare: SI VEDE BENE SOLO CON IL CUORE, L’ESSENZIALE E’ INVISIBILE AGLI OCCHI! Era una meraviglia, perché quando si rendevano conto di quello che stavano dicendo, non potevano più tornare indietro. Non sarebbero più tornati indietro ne’ in quel momento, né nella loro vita. E adesso che quei ragazzi mi hanno regalato quell’arte, io la porto in giro per il mondo, affinché le grandi frasi che gli uomini hanno scritto, non restino confinate nel buio di un libro, ma brillino alla luce del sole, e diventino così solide e materiche, perché sono le parole più importanti che l’umanità abbia scritto e sono e saranno sempre con noi. Per il MIMUMO-MICROMUSEOMONZA, che mi ha donato questa opportunità, ho deciso di creare l’opera per me più sintetica ed importante: ho inciso nel cemento la poesia SE di Kipling, che non è per nulla un “SE”, ma una certezza vibrante di una determinazione profondissima. Grazie mimumo. Anna RussoLa mia arte nasce con la scrittura. Scrivo da quando ho capito il senso della scrittura. Così dopo aver imparato a scrivere, cosa che è accaduta più o meno intorno ai sei anni, ad otto anni è arrivato il senso della scrittura. A quell’età scoprii che la scrittura era qualcosa che poteva proiettare, quello che avevo nel cuore, più lontano di quanto avrebbero potuto fare le mie parole parlate. Le parole parlate si disperdono nell’aria e molto spesso rimangono inascoltate, invece le parole scritte restano. Puoi far finta di non vederle per anni, ma tanto loro restano lì, mute testimoni di un’eventuale ignoranza. E poi capita sempre quel momento, che io considero pura magia, in cui quelle parole vengono lette e penetrano nel cuore di chi le sta leggendo. E’ questa la magia delle parole. Da questo amore sconfinato, per la scrittura, sono nati dei libri. Ne ho scritti vari. Ho pubblicato con grandi editori come Einaudi, Mursia, Salani, ecc… Ma quello che davvero ha portato in avanti quest’arte, sono stati i bambini. All’epoca facevo tante conferenze nelle scuole e notavo la sostanziale differenza tra quei ragazzi che non avevano nessuna voglia di aprire un libro e quelli che caparbiamente leggevano .Il fatto strano è che a me, per naturale vocazione, erano più simpatici quelli che si rifiutavano di leggere. Era strano, ma quella selvaggia ribellione mi affascinava. Erano ragazzi che consideravo speciali. Avevano una marcia in più e se si fossero per un attimo fermati a leggere qualsiasi frase del Piccolo Principe o Italo Calvino, la loro vita avrebbe fatto un salto in avanti di eoni. Così inventai i bassorilievi a graffio. I bassorilievi cementano gli scritti più belli, ma sono anche una sfida: bisogna impegnarsi per riuscire a leggerli. Avevo raggiunto il mio obiettivo. I bulli della classe si precipitavano a leggerli. Dovevano dimostrare alla classe di essere più capaci in tutto ed allora li vedevi urlare: SI VEDE BENE SOLO CON IL CUORE, L’ESSENZIALE E’ INVISIBILE AGLI OCCHI! Era una meraviglia, perché quando si rendevano conto di quello che stavano dicendo, non potevano più tornare indietro. Non sarebbero più tornati indietro ne’ in quel momento, né nella loro vita. E adesso che quei ragazzi mi hanno regalato quell’arte, io la porto in giro per il mondo, affinché le grandi frasi che gli uomini hanno scritto, non restino confinate nel buio di un libro, ma brillino alla luce del sole, e diventino così solide e materiche, perché sono le parole più importanti che l’umanità abbia scritto e sono e saranno sempre con noi. Per il mimumo MICROMUSEOMONZA, che mi ha donato questa opportunità, ho deciso di creare l’opera per me più sintetica ed importante. Ho inciso nel cemento la poesia SE di Kipling, che non è per nulla un “SE”, ma una certezza vibrante di una determinazione profondissima.

da venerdì 11 dicembre 2020 a mercoledì 13 gennaio 2021

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Sara Mongelli

“Fashion victim” Un panno per pulire i pennelli sporchi di colore, adagiato come un vestito su una cruccia per abiti, uno strumento marginario del mestiere, sporco, usato che svela il retroscena, la verità se vogliamo sul processo creativo, diventa esso stesso opera, esposto in una vetrina, strizza l’occhio alla moda, ai suoi codici e ci interroga sul concetto di arte, i suoi confini e forse a volte inautenticità. Sara Mongelli vive e opera a Milano. Si laurea in scultura presso l'Accademia di Belle Arti di Brera. Lavora costantemente sulla ricerca di nuovi linguaggi dell'arte contemporanea, sempre più contaminata da diversi mezzi dell'espressione artistica. Le sue opere si raccontano attraverso scritti poetici, sculture in serie limitata, installazioni e oggetti di design. Traccia un contorno su concetti attuali, legati alle tematiche delle relazioni umane, ai sentimenti, agli atteggiamenti sociali. [email protected] https://www.mongeart.weebly.com/

da giovedì 22 ottobre 2020 a mercoledì 11 novembre 2020

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VALERIANGELINI

FIGLI DELLA LUNA Il suo percorso creativo incentrato sull’Identità personale, culturale e storica si arricchisce di nuovi spunti affrontando questo progetto “Figli della Luna”, che trae spunto dai versi della creazione della Genesi. Ha immaginato una dimensione onirica in cui la natura femminile e maschile siano percepite come figure armoniche in cui la bellezza è il frutto di equilibrio tra anima e animus* : ….”sogni dove l'assenza di coscienza confonde tutte le cose, per cui io sono ad un tempo, maschio e femmina, adulto e bambino, dove naufraga la successione temporale, la sequenza spaziale, dove non vige il principio di non contraddizione e tanto meno il principio di causalità. Di questa confusione dei codici, l'ermafrodita è il simbolo, nell'accezione greca di synballein che significa mettere assieme. Tutto ciò che è inconscio si proietta, per cui la parte femminile dell'uomo si riflette nella donna che si sceglie perché lo rispecchia, così come la parte maschile della donna si riflette nell'uomo che la ritrae.”(U. Galimberti) Le figure si stagliano in questi sfondi dorati per ricordare la loro natura divina, come iconografie bizantine composte lineari e pure. Lo sguardo si sposta sugli inserti e sui frammenti che animano le composizioni e le rendono tridimensionali, al tempo stesso precarie. La sua visione della realtà si sgretola: si materializza nei suoi frammenti fotografici, o nelle piccole fessure costruite con fogli di carta fatta mano ricoperti di foglia oro. Metafore, rappresentazioni della nostra vulnerabilità davanti alla consapevolezza del nostro limite ”La cognizione della morte, non la morte, è il sapore del frutto proibito”(Dieci, Elena Loewenthal). Il pigmento blu simboleggia l’energia spirituale che trascende tutto e da cui tutto dipende. *Jung descrisse l'animus come il lato maschile inconscio di una donna, e l'anima come l‘inconscio lato femminile di un uomo, con ciascuno che trascende la psiche personale. La teoria di Jung afferma che l'anima e l'animus sono i due archetipi antropomorfici primari della mente inconscia.

da martedì 01 settembre 2020 a mercoledì 30 settembre 2020

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Alice Padovani

L'opera Cocoon 9 è un'installazione composita creata a partire da nove sculture, sottili steli di ferro alla cui sommità si trovano altrettante piccole "uova" di terra e oro. Sono bozzoli, stanze segrete in cui avviene il cambiamento piùradicaleche esista innatura: la metamorfosi, una combinazione programmata di distruzione e crescita. Non siamo tenuti a vedere questa misteriosa evoluzione, essa può essere solo immaginata. Al nostro sguardo restano solo forme vuote che alludono a metafore di nascita ed assenza, presenza e abbandono.

da mercoledì 10 giugno 2020 a martedì 14 luglio 2020

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Joe Palla di di Umberto Voxci

COVID-19 “Sono un virus: io sono il virus: Sono l’animale che come un virus infetta la terra: sono un parassita. Consumo senza sosta incurante degli atri animali. Sono un virus assassino. Distruggo, uccido e inquino solo per colmare la mia irrefrenabile follia. Sono il virus, un maledetto virus che si rigenera, si adatta, si trasforma per non morire. Mi basterebbe morire per liberare la terra dal mio giogo, ma io non muoio. Sono resistente e per sterminarmi, ho già passato la mia violenza al prossimo. Ho l’eternità. Dio non mi fermerà perché io sono Dio. Io sono il virus”.

da mercoledì 01 aprile 2020 a giovedì 30 aprile 2020

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Paul Frank Wagner

Paul Frank Wagner è un artista contemporaneo che si ispira nelle sue opere all’ Arte Povera e alla Land Art. Paul Frank Wagner nasce in Francia nel 1970 da genitori francesi. Sin da giovanissimo seguendo la famiglia viaggia molto tra Panama, Parigi e gli Stati Uniti, dove cresce fortemente in uenzato dal rapporto con la natura ed in particolare con l’oceano, oltre che dai circuiti artistici che ha occasione di frequentare soprattutto durante il periodo degli studi a New York. E’ qui che Paul incontra alcune gure chiave per la sua formazione come Bernar Venet e il professor Paul Aschenbach, al quale farà da assistente durante l’ultimo anno di università. Non è un caso dunque che per le sue prime opere scelga la corda come mezzo artistico, incluso per la sua prima installazione, completata a soli 21 anni. Successivamente, trasferitosi a Miami, comincia a sviluppare un suo stile personale, realizzando vere e proprie opere con lo spago. Il suo primo riconoscimento come artista arriva nel 2005, in occasione dell’esposizione a New York all’interno di una mostra curata dalla Ok Harris Gallery. Lo stesso anno una sua opera viene esposta nella mostra collettiva « 30 Ways to Make a Painting» insieme a quelle di artisti acclamati come Christo, Nam June Paik e Allan McCollum. Negli anni seguenti e no al 2009 Paul collabora su commissione con la Galleria di Virginia Miller, a Miami, partecipa a progetti collettivi ed espone 100 delle sue opere alla Miami Scope Art Fair. Tornato in Europa, dapprima vive e lavora a Parigi, dove continua ad esplorare le potenzialità artistiche della corda, realizzando opere, installazioni e performance dal vivo. Successivamente si trasferisce in Italia, dove oggi risiede e dove continua a realizzare le sue opere sempre più strettamente legate all’ambiente, sperimentando nuovi materiali come pietre e bastoncini di legno. Tra i suoi più recenti progetti, «Untitled, 2019» è un’opera dedicata alla Croce Rossa Italiana, dove Paul racconta, con la sua particolare tecnica mista, il coraggioso impegno dei volontari, infondendo in chi osserva un forte messaggio di consapevolezza. Da qualche tempo e in tutto il mondo, Paul si dedica inoltre con grande slancio a progetti didattici, quali workshop di arte contemporanea,che lo hanno condotto a sviluppare un originale metodo di insegnamento dell’arte. Il preciso obiettivo è di stimolare l’attenzione dei più piccoli nei confronti delle tematiche ambientali.

da venerdì 14 febbraio 2020 a mercoledì 04 marzo 2020

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Gep

Giuseppe Caserta in arte Gep. Dopo aver frequentato l’istituto tecnico d’arte applicata all’industria con indirizzo grafica pubblicitaria, i suoi interessi artistici si legano alla sua passione per l’hip hop. Fin da giovanissimo si innamora di questo stile, dipingendo i muri della sua città. Circa dieci anni fa il suo interesse viene catturato dalla bellezza delle scritture antiche e dopo un corso seguito alla NABA di Milano si dedica sempre di più alla Calligrafia arricchendo e valorizzando i suoi lavori artistici. La combinazione di colori e calligrafia rende ancora più comunicativa e preziosa la sua Arte che non segue nessuna logica pre-impostata, questa unicità la rende autentica e inimitabile per questo suscita molto interesse da parte della gente grazie al suo stile personale e riconoscibile. I suoi lavori prendono sempre spunto dagli stili calligrafici del passato ma con uno sguardo alla cultura di strada dalla quale proviene. Attualmente i suoi lavori sono richiesti sia da privati che da aziende commerciali tra i nomi più importanti spicca l’Archivio della Veneranda Fabbrica del Duomo di Milano che ha commissionato alcune decorazioni calligrafiche all’interno dei suoi locali appena ristrutturati.

da giovedì 16 gennaio 2020 a mercoledì 22 gennaio 2020

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JOEPALLA di Umberto Voxci

JOEPALLA Il personaggio di JOEPALLA, un pesce palla giallo viene creato nel 2004. L’artista si diverte ad usarlo come brand personale su proprie realizzazioni pittoriche. Nel 2010 unica partecipazione ad una collettiva presso il Superstudio + di Milano in occasione del CONTEMPORARYART2010. Dal 2018 diventa ufficialmente una serie di quadri con una proprio stile e pensiero. JOEPALLA viene vettorializzato e trasformato in un’adesivo che l’artista applica sui propri quadri facendo diventare l’opera un JOEPALLA ufficiale. Il brand va oltre l’opera e l’opera stessa diventa brand; icona clone nel 2094! UMBERTO VOXCI Nato in Nigeria il 04/01/78 frequenta prima il liceo artistico di Milano e poi la scuola di tecniche cinematografiche di Milano. Inizia una collaborazione decennale con lo studio di animazione YUSAKI di Milano realizzando film d’animazione in plastilina per le televisioni svizzere e giapponesi. Nel frattempo si forma come scenografo realizzatore in laboratori di Milano prendendo padronanza con l’arte pittorica, scultorea e scenotecnica lavorando nei settori della pubblicità, animazione e moda. Vive attualmente a Monza e lavora a Milano.

da giovedì 12 dicembre 2019 a giovedì 02 gennaio 2020

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Margherita Cornali

Margherita Cornali (b. 1997, Segrate, Italy) è un'artista che vive e lavora a Auckland, Nuova Zelanda. Si e’ laureata presso l’università di Whitecliffe College of Art and Design, in Arti Figurative. Poichè tratta tematiche che afferiscono al dolore o al divertimento, le sue opere spesso sembrano contraddittorie. Margherita presenta il suo lavoro sotto forma di performance, installazione, pittura e scultura. La sua ricerca si basa sul mondo dei sogni e su quello dell'infanzia; su memorie represse attivate tramite musica e improvvisazione. Esprime la necessità di giocare nel mondo adulto, spesso con progetti tattili o interattivi. Celebrando l'infanzia, il suo lavoro fa prevalentemente uso di un'estetica che ricorda il mondo del circo associato a memorie autobiografiche. Artigianato e oggetti di recupero esprimono una connessione col passato. Il suo interesse si cela nel potere terapeutico del fare che spesso lei associa al suono e spazio per creare un'atmosfera dove giocare è ancora permesso.

da giovedì 31 ottobre 2019 a mercoledì 20 novembre 2019

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BETTYBELLU' (Elisabetta Orsenigo, Anna Bellù)

ANNA BELLU', nata a Seregno nel 1967, vive e lavora a Seregno. Ha frequentato il liceo Preziosissimo Sangue di Gesù di Monza, successivamente si è laureata presso il Politecnico di Milano. ELISABETTA ORSENIGO, nata nel 1971 A Besana Brianza, vive e lavora a Seregno, laureata in lingue, artista autodidatta con una spiccata vena per la creatività. MADRE NATURA rappresenta l’animo femminile come forza generatrice di vita. Le due artiste vogliono sensibilizzare l’uomo ad avere un maggior rispetto per il mondo che lo circonda. Spesso quando l’essere umano si intromette nel mondo naturale crea degli squilibri irreversibili, la nostra “MADRE” vuole dare speranza ad una possibile convivenza tra uomo e Natura.

da giovedì 19 settembre 2019 a mercoledì 25 settembre 2019

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Roberto Spadea

Roberto Spadea nasce a Monza dove vive e lavora; artista versatile e dinamico, i suoi lavori spaziano dall’action painting, alle installazioni ambientali, alla street art. Spadea ama da sempre la provocazione... legandola sempre ad un impulso poetico o al desiderio di suscitare emozioni e forti reazioni negli spettatori. La sua urban art genera dubbi, accende dibattiti, induce pensieri e riflessioni.

da giovedì 18 luglio 2019 a mercoledì 31 luglio 2019

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Gianni Corrado

Gianni Corrado, nato a Desio nel 1971, vive e lavora a Seregno. Laureato in Architettura al Politecnico di Milano, nel 1983 ha vinto il suo primo premio al Concorso d'espressione figurativa indetto dalla Banca Popolare di Bergamo e nel 1989 partecipa alla prima mostra collettiva «Pittura a Seregno». Dopo la partecipazione alla collettiva «Biennale del disarmo», organizzata da Artecultura nel 2006, la sua prima personale è nel 2007: «Donne in nero» allo studio «Overview Architektur» di Meda. Nel 2013 e 2014 ha allestito due personali di grande successo a Seregno: «Rosso+Nero» in Galleria civica «Ezio Mariani» e «Colors I hate» allo Spazio «Artex». Sempre nel 2014 con le sue opere è stato ospite d’onore al secondo «International Pins Contest» promosso dall’associazione culturale «restArt» di Monza. Le ultime personali si sono svolte nel 2015 presso gli spazi della Villa Reale di Monza e della Galleria Civica di Monza.

da giovedì 06 giugno 2019 a mercoledì 26 giugno 2019

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Elisabetta Oneto

Nasce a Santa Margherita ligure anni fa e nel cuore e negli occhi ha sempre i colori che mi rimandano a quei paesaggi dalle tinte vive dell'estate a quelle melanconiche dell'autunno. Parte dalla pittura per passare a mezzi espressivi come l’installazione site specific, foto e video per arrivare a descrivere la propria e l’altrui vita. Nella normalità e nell'anormalità cerca di globalizzare le percezioni. Ama lavorare stimolando l'interazione. Esplora varie tecniche espressive, privilegiando quelle in cui la poesia può esprimere la sua potenzialità, forza artistica ed emozionale l'informale.

da sabato 04 maggio 2019 a mercoledì 15 maggio 2019

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Graziano Moro e Renato Pigatti

Graziano Moro e Renato Pigatti condividono gusti, idee e sogni: per entrambi la creatività deve essere libera di essere applicata a qualsiasi oggetto, purché generi nuovi stimoli ed emozioni nella vita quotidiana di ognuno. Entrambi i designer affermano di amare il bello in tutte le sue forme fin dalla culla, diventando due veri e propri esteti: per questo lo sbocco naturale dove sprigionare le loro passioni sono stati i settori del fashion e del design. Nel primo sono passati in brevissimo tempo dalle consulenze per i grandi brand alla fondazione della propria azienda Magazzini del Sale nel 2001, per il secondo, invece, hanno dato vita alla Design of Love, acquisita nel 2015 da SLIDE, con cui hanno sviluppato una collezione in continua evoluzione che conta circa 20 elementi ad oggi.

da giovedì 14 marzo 2019 a mercoledì 03 aprile 2019

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Silvia Brambilla

Nasce nel 1964 a Monza, dove tutt'ora vive. Da sempre appassionata e creativa, si avvicina al mondo dell’arte frequentando corsi di disegno, pittura e modellazione. Ha collaborato per un lungo periodo con una Galleria di artigianato artistico di Monza, realizzando esclusivi monili in ceramica Raku. Ultimamente sta sperimentando la tecnica della smaltatura a fuoco su metalli.

da martedì 29 gennaio 2019 a mercoledì 20 febbraio 2019

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Stefano Iosca

Lo scultore Stefano Iosca, nel suo percorso artistico iniziato col periodo figurativo giunge all'astratto odierno, toccando il disegno, la pittura e la scultura. Milanese, vive e lavora in un'antica fornace nei pressi del Naviglio; le sue opere sono presenti in collezioni private e pubbliche, in Italia e all'estero.

da giovedì 20 dicembre 2018 a mercoledì 09 gennaio 2019

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Angiola Tremonti

Nata a Sondrio, vive e lavora a Cantù (Como). É designer di moda, pittrice, scultrice: opera agendo a 360 gradi. Come artista è supportata dai principali critici internazionali, Gillo Dorfles, Rossana Bossaglia, Vittorio Sgarbi, Luciano Caramel, Luca Beatrice e tantissimi altri. Angiola Tremonti, durante le sue mostre, non si limita ad una passiva partecipazione, ma trasmette entusiasmo e si ricarica a sua volta, in uno scambio, una comunicazione simbolica con il suo pubblico. Dal 2012 tiene un corso “SPERART “ l'arte della speranza al Carcere del Bassone di Como come volontaria.

da venerdì 30 novembre 2018 a mercoledì 05 dicembre 2018

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Facciavista

FACCIAVISTA è un progetto di inclusione sociale il cui obiettivo è individuare e sostenere il talento artistico di persone con disturbo dello spettro autistico, donando libertà al genio artistico dentro di loro. La mostra d’arte dal titolo “Mi dipingevo le mani e la faccia di blu” espone alcuni lavori realizzati dai ragazzi nel laboratorio artistico di Vedano al Lambro, tra cui un dipinto realizzato “a quattro mani” da Roberto Spadea e i ragazzi di Facciavista; un vero e proprio dipinto INCLUSIVO.

da giovedì 08 novembre 2018 a mercoledì 21 novembre 2018

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Alessio Ceruti

Alessio Ceruti nasce a Varese nel 1980. La sua formazione artistica nasce nell’azienda del padre, dove collabora come lucidatore di metalli per la finitura di opere scultoree di artisti come Pistoletto, Not Vital e molti altri. Inizialmente si concentra sull’utilizzo di metalli e materiali riciclati, passando successivamente a terre e materiali naturali, per approdare poi al plexiglass.

da giovedì 11 ottobre 2018 a mercoledì 24 ottobre 2018

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Andrea Arrigoni

Due sentimenti contrapposti ordine e caos. Entrambi non dettati dal caso, entrano in conflitto dando vita ad una successione di forme e movimenti. Andrea Arrigoni vive a Carate Brianza, forte passione sin da piccolo per l’arte e la fotografia, completa gli studi presso il liceo artistico ora frequenta L’Accademia di belle arti di Brera. Si appassiona all’architettura, alla sua plasticità e al modo di riempire lo spazio; portando questo pensiero in gran parte delle sue opere figurative.

da giovedì 13 settembre 2018 a mercoledì 26 settembre 2018

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Roberto Spadea

Un'installazione per ricordare tre amati piloti Ferrari (Von Trips, Bandini, Villeneuve), tutti morti in gara, nel tentativo di raggiungere la propria gloria. Roberto Spadea nasce a Monza dove vive e lavora; artista versatile e dinamico, i suoi lavori spaziano dall’action painting, alle installazioni ambientali, alla street art.

da giovedì 02 agosto 2018 a martedì 28 agosto 2018

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